クラリネット&アレクサンダーテクニーク教師  豊永よしこのブログ

心と身体に優しい奏法、練習のコツ、レッスンの事、アレクサンダーテクニークについて書いています。

上達のヒント

アレクサンダーテクニークとクラリネットのレッスンを行っています。
「基礎の基礎から見直したい」「無理せず本来の自分で吹きたい」
「身体の使いかたを見直したい」「もっと生き生きと過ごしたい」

こんな思いを持っている方、レッスンへいらっしゃいませんか?
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【全楽器共通】1ランク上の完コピのしかた

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先日、夫が見かけて録画してくれた音楽バラエティ番組を見ました。(関西系ジャニーズの方が司会の…見た方もいるかもしれません(^^)

そこには有名なジャズクラリネット奏者の方が出ていました。さすがの演奏、そしてさすがのアンブシュア…教本に載っているようなどこから見てもキレイなアンブシュアでした。

私が思ったのは「みんなこのアンブシュア、真似するんだろうな~」私が中学生だったら絶対に真似していると思います。

でも、その方はいつもキレイな形になるように鏡を見て特訓しているのでしょうか?おそらく自分に合った吹き方を研究し、演奏に合った吹き方を練習し、キャリアを積み重ねた結果辿り着いた「これまでの集大成」ではないかなと思います。

完コピするならただ形だけをまねるのではなく「あのアンブシュアになるにはどんな息の使いかたしてるのかな?」「どんな考えかたで音を出してるのかな?」「どんな練習してるのかな?」と、その根っこに思いを馳せてみると結果が変わってくると思います。

「学ぶ」の語源は「真似る」から来ているといいますが、どうせするなら根っこから真似てみましょう。1ランク上の完コピをお勧めしたいと思います(^^)/



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私の考える「響く音」とは

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そもそも響く音ってどんな音でしょう?考えてみました。私の考える「響く音」は、必要な息を出した結果、リードや楽器、身体、空間が十分振動している音です。

息によって生まれる振動を邪魔しない結果、響く音が出る。響く音は聴いていて心地よく、遠くまで伝わり周りとも溶け合いやすい音です。

何か特別なことをしなくても、自分に合った道具で、リードを十分振動させられるだけの息を出し、楽器の振動の邪魔をしない身体の使いかたをし、空間全体を含んで演奏する意識を持っていれば、おのずと響く音になるのではと思います。

「邪魔をしていることをやめ、必要なことをする」

とってもシンプルですが、実際はなかなか複雑。響きのある音はすべての土台です。土台作り、時間がかかりますがじっくりお手伝いしたいと思います(^^)/


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部活や楽団の先生や先輩と、専門の先生に言われることが違って困ったとき、どうしていますか?

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部活や楽団の先生や先輩にはこう習ったのに、専門の先生のレッスンで全然違うことを言われて困ったこと、ありませんか?

特に真逆なことを言われたとき、何が正しいのか?どっちをやったらいいのかわからなくなるかもしれません。

私もレッスンで教えていると「部活の先生にはこう言われたんですけど…」「先輩にはこう言われたんですけど…」と言われることが沢山あります。

わたしが一番いいと思うのは、習ったことをうのみにせず、しばらく自分で試してみること。習ったことを自分で両方試してみて、やりやすい方や出来る方、うまくいった方を採用してみましょう。

でも、やりにくい、出来ない、うまくいかない方が間違っているとも言えないんです。自分がまだその段階に達していないと、全然できないと感じることがあります。

そんなときはとりあえず保留!無理にやろうとしたり、逆にバッサリ切り捨てずに、できることからコツコツやっていきましょう。その時はイマイチでも、数か月後や数年後出来るようになったり、言われている意味が分かることが結構あります。


先生や先輩の意図やその理由がはっきりしていない場合は、取り入れない方がいい場合もあります。

特に部活ではなぜそうするか誰もわからないのに「昔からそうだから」と教えていたり、昔専門の先生に習ったことが伝言ゲームで全く違う意味になって伝わっていることも多々あります。

そんな時は直感センサーを働かせたり、理屈で考えてみてください。また、なぜそうするのか?理由を聞いてみたり、直に専門の先生の意見を聞いたり調べてみるのもよいでしょう。


習ったからと言ってその通りにしなくてもいい、習う側の自分にも選択権がある、という事を忘れずに。何を習っても取り入れるのを決めるのは自分です。もちろんこのブログを読むときも!上達のためにとっても大事な心構えです(^^)/




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発表会の演奏を聴いて感じた進化&これからの課題

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今日は先日の発表会を聴いて感じたことを書いてみたいと思います。まず進化を感じたこと。

1つは本番に強い方が目立ってきたことです。楽器歴が長い方、経験豊富な方は特に練習よりリハーサル、リハーサルより本番が良かった方が多かったです。

これはただ場数を踏んでいるからだけではないと思います。レッスンでお伝えしているアレクサンダーテクニーク的本番前、本番でやると効果が出ることを実践してくださっているからではないかなと思います。ステージでの立ち振る舞いの端々にそれを感じられました。

まだ経験が少ない方も、少しずつご自身なりに実践され、緊張の中でも楽しく音楽に乗っている場面が増えてきたように感じます。


もう1つは音量、音の響きです。これはほとんどの方に感じたことです。私の考えとして、細かい技術や表現の前にまず響く音が出ない事には何も始まらないというのがあるので、ステージ上で響く音を出せる方が増えたのはとても嬉しいことでした。

音が響くようになると、表現の幅が広がるだけでなく、アンサンブルしやすくなったり、発音、タンギング、レガート、速いパッセージなどあらゆることの質が上がります。


ベースが徐々に出来てきているので、これからの課題は「表現」。まずは音量のバリエーションを増やしていけると、さらに楽しく面白く演奏できるのではないかと思います。

そして音色のパレットの色をもっと増やしていけるといいなと思います。同じ音高でもベースの和音や、前後との関係、音の方向性、アンサンブルの中での役割によってニュアンスは微妙に変わっていきます。音楽からその変化を感じて表現することができる段階にある方も多いのではと思います。

響く音で音量や音色に変化を付けるのは今以上のテクニックが必要ですが、時間をかけて練習していけば少しずつ出来るようになってくると思います。

1つ上の段階へ…というかこれらにトライするのも自由意志。こちらからは強制したくありませんが、やってみたい!という方には全力でお手伝いしたいと思います(^^)/



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100の音色を持つ世界的プレイヤー

先日、こちらのコンサートに行きました。
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Corrado Giuffredi氏。Youtubeで驚異的なテクニックを披露する姿(メルマガでもご紹介しました)をみて、直接聴いてみたいなと思い足を運びました。

指の動きやタンギングなどのテクニックはYoutubeで見ていたので、なるほどと思う程度でしたが、一番すごいなと思ったのが音色の多彩さです。

彼の音色の引き出しには100色以上入っているのでは?と思わせるくらいヴァリエーションがありました。

楽章ごと、フレーズごとに表現したいことに応じた音色を使っていて、それが全て違うのです。どんな音楽を創っていきたいかがはっきりとわかる演奏でした。

それは丸くてふくよかな音から、甘く柔らかい音、軽やかな明るい音…だけでなく、部活などでは「出さないで!」と言われるような荒い音、鋭い音、開いた音まで使っていました。

もちろんこんな音が使えるのも技術あってのことですが、一見NGな音も演奏に使うジェフレディ氏に表現欲の強さを感じました。

音色第一で「きれいな音」「うるさくない音」「汚くない音」の枠の中で表現をしている方からは眉を顰められるような音も使っていましたが、私もそれが必要ならむしろ使った方がいいと考えています。

「きれいな音」だけでは表現できない音楽がある。音色にこだわるあまり演奏が単調になってしまう、表現力が無いと言われてしまう方に聴いてもらいたいなと思った演奏会でした(^^)



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